Depuis sa prolifique entrée dans le monde des acteurs français expat aux USA, Amalric enchaînait les rôles avec la frénésie et la folie d'un Ismael Vuillard (chez Despleschin). Et nous d'être perdus par tant de mouvement. En repassant derrière la caméra, il donne un sens à son propos et réalise un film empreint de beaucoup d'influences, un film de cinéma à des années-lumières de tout ce qu'on a pu dire sur lui en tant qu'acteur (soi-disant cérébral), un film charnel, drôle, caustique et vif. Un film qui lui ressemble.

  Tournée est en tout point un chef-d'oeuvre, un film français qui n'en est pas vraiment un, et qui rappelle les années 70 par sa liberté, pour l'absence de toute préoccupation bobo, et surtout pour créer un film qui reste sur un petit nuage. Amalric met en scène un road-movie sans route (ou presque) où les gros bolides seraient remplacés par les corps humains. La caméra de Amalric virevolte, la désinvolture de son personnage de producteur est là, les cadres sont d'une beauté folle, la photographie de Christophe Beaucarne, tamisée dans les scènes de clubs, nous fait penser bien sûr à du Cassavetes. Tout est maîtrisé et pourtant c'est dans ce cadre ultra-classique que surgit une énergie de vivre incroyable d'américaines perdues sur la côte atlantique. Le personnage d'Amalric est irrésistible de drolerie et de maladresse et fait penser au Cosmo Vitelli de Meurtre d'un bookmaker chinois : un producteur minable mais qui sait rester digne. La dignité dans la solitude, le film ne tend que vers ça. Vers la profusion (des femmes) dans le calme plat (l'hôtel abandonné). Plus rien ne compte, le film peut finir. Le plus grand film français de l'année.

  Deuxième long de Léon Prudovsky, A 5 heures de Paris est un joli film sensible qui, pour sa défense, évite tous les pièges de la sensiblerie. Si l'histoire ressemble à s'y tromper à celle de Mademoiselle Chambon, le traitement est lui aussi similaire. Tout le film baigne dans un climat doux et cotonneux collant parfaitement avec l'esprit de Tel-Aviv l'insouciante. Le seul bémol réside peut-être dans le côté faussement cheap du film (en gros, les acteurs s'habillent comme des ploucs et la musique est horripilante de tant de clichés) qui, s'il colle à la vie de ses deux protagonistes, pourra très vite plomber la bonne ambiance de départ. Niveau réalisation, Prudovsky ne semble pas s'être cassé la tête en 'abandonnant entièrement au jeu de ses deux (excellents) comédiens.

  A une époque où l'on ne jure plus que par la 3D, le cinéma de Sylvain Chomet fait un peu figure d'ovni. Alors imaginez-le adaptant à l'écran un scénario original de Jacques Tati et vous obtenez un grand film plein de folie douce et d'humanité, transpercé de saillies absurdes qu'aurait bien pu mettre en scène le réalisateur de Mon Oncle.

  La grande force du film tient dans cet équilibre parfait choisi par le réalisateur des Triplettes de Belleville, entre un minimalisme aussi absurde que poétique (le film ne contient presque aucun dialogue) et une atmosphère assez nostalgique, qui pourtant ne vire jamais sur les terres franchouillardes d'un Jeunet. L'Illusionniste est un très grand film de cinéma, une grande mise en scène sensible de sa magie.

  Cinéaste erratique (on ne l'avait pas vu depuis Delirious, en 2007), Tom DiCillo est capable du meilleur (Ca tourne à Manhattan), comme du pire (deux épisodes de New York, section criminelle). Dans tous les cas, l'homme ne poursuit qu'une chose : sa lecture très personelle et surtout très new-yorkaise de la réussite médiatique.

  En cela, Jim Morrison est un héros de plus pour le cinéaste. Une étoile filante ayant fait la une de toute la presse pour ses frasques (pénis montré, ou pas ?) et sachant utiliser à merveille la récente télé couleur (fantastique passage chez Ed Sullivan) pour imposer un personnage, construit ou non. Au-delà des qualités indéniables de monteur et de conteur d'histoire de DiCillo (le film avance avec un souffle rare dans un docu), c'est bel et bien pour le personnage central qu'il dépeint, que vaut When you're strange. Moins caricatural que chez  Oliver Stone, Morrison est ici scruté sous sa face la plus sombre et mégalomaniaque. Preuve en est ces bouts de film tournés par Morrison lui-même. La question n'est pas de savoir si le réalisateur aurait du les intégrer mais plutôt de savoir si le chanteur des Doors aurait du les filmer. C'est dans ce questionnement central que réside l'essence du barde Jim Morrison.

  Autant le dire d'emblée : le nouveau Kiarostami n'est pas un grand Kiarostami. Juste un film d'une légereté bienvenue en cette période de l'année. Si Copie conforme développe une réflexion sur le couple, et sur la recréation de l'attirance originelle, ce n'est pas pour cela que le film se boit comme un bon vin rosé. Copie conforme baigne dans une lumière, dans une chaleur typiquement toscanes, qui lui donnent un parfum ennivrant et font passer le film dans la catégorie des plaisirs délicats.

  Corneliu Porumboiu est sûrement le plus grand des cinéastes de la nouvelle vague roumaine. En tout cas celui qui a le plus de marottes, et il nous le prouve avec son nouveau long, Policier, adjectif.

  Chef-d'oeuvre de subtilité, cet ovni cinématographique déconstruit et démystifie le polar. Un peu à la manière d'un Italo Calvino avec le roman oulipien Si par une nuit un voyageur, en y introduisant une dose d'absurde et ne faisant que jouer sur une chsoe : l'atmosphère et les codes du film policier. A cet égard, le simple titre du film et son affiche son révélateurs : un flingue, un dico, "policier" étant à la fois un nom et un adjectif. Et Porumboiu de nous entraîner dans un tourbillon kafkaïen où vie privée et vie professionelle d'un policier moyen se mélangent dans la plus grande confusion. Pour Cristi, "policier" est plutôt de l'ordre de l'adjectif, ce vers quoi il voudrait tendre mais n'arrive pas à être. Sa vie est inexistante. Il y a un vrai plaisir à le voir se débattre pour bien faire. A faire comme dans les films américains lors de filatures d'une platitude folle. Mais le clou du film est tout entier contenu dans ce plan fixe/plan-séquence où l'homme revenant du commissariat (plombé par une bureaucratie lourde), mange seul, dans sa petite cuisine, pendant que sa femme écoute un morceau italien kitsch. Porumboiu a bel et bien inventé, depuis le jouissif 12h08 à l'Est de Bucarest, une nouvelle forme de cinéma, tout autant sociale que comique, naturaliste et décalée. Un polar somptueux sans pour autant être un film policier. C'est tout le paradoxe génial de ce film.

  Au même titre que tous les précédents films de son réalisateur, Enter the void est une nouvelle preuve de la prétention sans faille de Gaspar Noé. Porte-étendard autoproclamé d'un cinéma new-âge mystico-subversif (dans la lignée du pathétique cinéma d'Aronofsky), Noé met en scène (le mot est fort) un pseudo-trip glauque et métaphysique sur fond de saillies chrétiennes particulièrement rances (l'avorton, l'idée pillée de rédemption). Ce film ne vaut rien, que dalle, nada, niet. Il est le fruit d'une époque où le clip a tué le cinéma, parangon d'un cinéma du vide, où certes les caméras s'envolent, sortent des têtes des personnages, filment des bites en plein coït, mais n'étant le reflet d'aucun discours. Aucune subversion, juste le vide total, le vide abyssal.

  Après les viscéraux Serbis et Kinatay, le cinéaste philippin Brillante Mendoza continue de creuser, avec Lola, le sillon d'un cinéma post-néoréaliste dense et inépuisable. Bardé de sa caméra HD, Mendoza nous entraîne au coeur de Manille en suivant deux grands-mères aux gueules burinées rappelant l'esthétique d'un Sergi Leone. Sauf qu'ici, c'est le naturalisme qui prime. Et le temps adopté par son récit est le temps des deux vieilles, des deux "lola". Il y a du plaisir et vrai un suspense à suivre la caméra, très souvent en plans-séquences, dont on ne sait sur quoi elle débouchera au coin d'une rue (principe par essence rosselinien, atteignant son summum dans Rome, ville ouverte). La force du film est aussi sa faiblesse : passant du statut de fascinant à celui de chiant, le jusquau-boutisme de Mendoza pourra en rebuter plus d'un. Mais quelle indépendance de cinéma !

  Miracle du cinéma de genre ! Petit génie du cinéma de genre post-moderne, Nicolas Winding Refn revient en force quelques mois après la sortie française du très grand Bronson, pour un nouveau chef-d'oeuvre en quête d'absolu cinématographique, Valhalla Rising. Et s'impose comme le fils spirituel de Lynch et Kubrick.

  Valhalla Rising n'est pas un film comme les autres, ce voyage Au coeur des ténèbres, quasi-muet, est un sommet d'abstraction politique, un chef-d'oeuvre expérimental tout à la fois violent, lyrique et métaphysique. Refn s'en tient à ce que le cinéma est par essence : un spectacle primaire, tout comme son héros. Ici, peu importe que le film raconte le voyage des premiers croisés catholiques ayant découvert l'Amérique, près de quatre siècle avant Christophe Colomb. Seul compte l'expérience sensorielle et cognitive fulgurante. D'une âpreté sans limites, Valhalla Rising est l'oeuvre qui prouve que le cinéma de genre es définitivement le meilleur moyen de rébellion politique et artistique. Une étape vient d'être franchie grâce à Refn : imposer le genre en art ultime. Une oeuvre hors-norme, monumentale, qu'aucun mot ne pourra jamais décrire.

  Après s'être fourvoyé avec l'ultra-théorique Adoration, le cinéaste canadien Atom Egoyan revient, avec Chloé, à son meilleur cinéma, fait de faux-semblants et d'érotisme feutré, pour creuser un peu plus son obsession pour le refoulé. Avec ici en ligne de mire la bourgeoisie. Suversif et délicieux.

  Autant le dire d'emblée : une grande partie du film repose sur ses acteurs plus que sur la mise en scène, très classique et détachée, d'Egoyan. Si le personnage de Liam Neeson n'importe que peu, le réalisateur filme ce qu'il sait le mieux filmer : la femme. A commencer par l'interprète-titre, Amanda Seyfried, jusque-là cantonnée à des seconds rôles insipides de grosses production de série B (Mamma Mia). Ici, l'actrice aux yeux hypnotiques et à la bouche charnelle s'impose comme un monstre de sensualité, un magma en fusion de charme et de sexualité. De l'autre côté, en bourgeoise paranoïaque et délaissée, Julianne Moore incarne à merveille la bourgeoise américaine, à la peau sèche et à la mine rocailleuse. L'antithèse de Chloé.

  La vraie réussite du film tient dans la façon dont Atom Egoyan va opérer son retournement final, mettant à dure épreuve l'empathie éprouvée initialement pour le personnage de Moore. Et de poser cette question, certes retors mais profondément vraie : la grande perverse du film n'est-elle pas la bourgeoise délaissée ? Qui va si loin dans son voyeurisme dédaigneux caractéristique de sa classe sociale. En cela, Egoyan filme au contraire avec grâce la plastique d'Amanda Seyfried, qui n'est autre que le miroir du couple, le caché comme lieu d'expression du refoulé de bourgeois pour qui le sex n'est qu'un produit de consomamtion payant parmi d'autres (fantastique scène initiale du restaurant huppé). Et de leur renvoyer à la gueule leur propres perversions. Alors, peut-être que la scène de la mort de Chloé peut paraître surfaite, voire naïve, mais c'est dans ce moment de suspension du temps que réside la beauté de l'ange Seyfried. Eclatant.